Entrevista al dibujante e ilustrador Fercasaus (II)

Fercasaus
Este artículo es la continuación de la parte I previamente publicada.

MÉTODO DE TRABAJO

¿Cuáles son tus medios o métodos de inspiración?

Especialmente Internet, y sobre todo para referencias visuales Pinterest e Instagram.

¿Qué tipo de materiales utilizas (tradicionales o digitales, por manga en qué casos)?

Me gusta el trabajo manual, lo adoro, pero no suelo basar mi obra al cien por cien en él.

Muchas veces empiezo dibujando a lápiz en un papel. Luego lo escaneo y lo termino digitalmente. Otras veces dibujo y pinto de forma tradicional y luego aplico los retoques con el ordenador.

Al principio de mi carrera, realizaba tanto los cómics como las ilustraciones totalmente de forma tradicional. Luego pasé a combinar el trabajo manual con el digital.

Hace un tiempo que estoy practicando el realizar de principio a fin todo el proceso de creación digitalmente. Sobre todo, por rapidez y comodidad. Pero, sin duda, prefiero aportar siempre algo manual en mis obras.

¿Cuál es tu tiempo de trabajo aproximado?

Depende de la obra. Realizar una página de cómic a color serían unos cuatro o cinco días, dependiendo de la complejidad de los dibujos, claro está. Mientras que una ilustración podría realizarla en dos días.

¿Los dibujantes de manga españoles tenéis ayudantes como los mangakas japoneses o los dibujantes norteamericanos?

Me gustaría tenerlos para agilizar trabajo, pero no lo he hecho nunca. Una vez trabajé colaborando codo con codo con un amigo, pero fue muy puntual. Siempre suelo hacerlo todo yo, y también tengo el problema de que me cuesta delegar en otros y al final pierdo demasiado tiempo en algo que otra persona me habría solucionado de forma más rápida.

¿Cuál es tu procedimiento a la hora de dibujar?

Me baso en el caos (risas), es broma. Cada trabajo suele ser distinto y muchas veces aprovecho para experimentar y perfeccionar nuevas técnicas. Sí que tengo unas pautas y pasos a seguir cuando voy a tiro fijo para conseguir un resultado aceptable con unas fechas de entrega apretadas. A veces pierdo más tiempo en pensar la idea o el concepto que en dibujar en sí, porque eso luego eso es algo más mecánico.

¿Qué relación tienes con los editores y editoriales?

No he trabajo con muchas diferentes, pero sí tengo algunas experiencias. El único problema que he podido tener tiene que ver con los impedimentos de comunicación y culturales, pues cuando he trabajado con otros países podía surgir algún inconveniente a nivel comunicativo (idioma o forma de pensar y hacer las cosas). Por ejemplo, trabajé para una editorial sueca, colaborando durante varios años en una revista de cómic para niñas, y fue una relación profesional genial en todo momento.

En cambio, con algún editor francés he sufrido larguísimos períodos de espera desde que les escribía un email hasta que me contestaban. Esto, cuando estás en medio de un proceso creativo, puede resultar un tanto frustrante.

Con editores españoles suele ser mucho más fácil comunicarse y es todo más fluido. Por otro lado, en EEUU solo he tenido una experiencia y también ha sido muy positiva. Sin duda la mejor a nivel editorial, con las respuestas más rápidas y profesionales posibles.

Pero cada dibujante y cada editor es un mundo. Lo que a mí me ha ido bien, quizá a otro le ha generado problemas. No se puede generalizar demasiado en este campo.

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Ilustración publicada en las redes sociales del artista.

¿Cuál es tu método de trabajo cuando es con editoriales y cuando lo haces por libre (exigencias y obligaciones)?

Las editoriales suelen imponer unas fechas de entrega y en ocasiones un equipo de trabajo. A no ser que el peso de la obra recaiga todo sobre ti mismo. Hay que ser responsable y profesional con la empresa que te contrata.

Casi siempre suelo trabajar con guionistas y cada uno tiene sus propios sistemas. Algunos resultan muy abiertos a que les propongas cosas y modificar aspectos que ves mejorables para que tu dibujo funcione mejor. Pero también hay guionistas con las ideas excesivamente claras, que no permiten demasiado intrusismo en su parte del trabajo. Me he encontrado con los dos casos, junto a experiencias totalmente variadas tanto buenas como menos buenas.

Cuando realizas una obra por libre, se corre el riesgo de prolongar en exceso los procesos creativos. Por eso es bueno autoimponerse fechas para finalizar la obra. Al no depender de otros, la responsabilidad de que la obra se finalice recae sobre nosotros, lo cual para algunos artistas nos supone una peligrosa arma de doble filo.

¿Qué modo de trabajo utilizas en proyectos con otros artistas?

Cuando trabajo con guionista para los cómics, me suelen enviar un guion técnico, describiendo lo que sucede en cada viñeta de las páginas. A partir de eso intento aportar algo a la historia con los encuadres de cámara, acting de los personajes, entornos, composición de página o incluso alguna pequeña modificación en el número de viñetas que ayude a mejorar la narrativa visual. Si tengo confianza con el guionista, prefiero hablar antes sobre el tono de la historia y aportar alguna cosita que ayude a que todos nos lo pasemos mejor desarrollando la obra.

Si trabajo con un colorista, trato de dejarle la faena lo más sencilla posible, separando algunos elementos por capas para que sea más fácil de colorear.

No he tenido la ocasión de trabajar mucho con otros coloristas, pero desde luego pienso que la colaboración artística puede ayudar a enriquecer y mejorar las obras.

¿Cómo es tu espacio de trabajo? ¿Qué consideras necesario para trabajar a gusto? 

Trato de mantener mi espacio de trabajo lo más ordenado posible, lo cual resulta bastante difícil sobre todo en épocas de entregas.

Trabajo en una mesa de dibujo grande, sobre la que tengo mi ordenador y en la que compatibilizo los procesos de dibujo tradicional y digital. En torno a la mesa, aglutino infinidad de material: pinceles, plumillas, rotuladores, lápices, botes y tubos de pintura, etc.

En mi casa dispongo de un estudio dedicado especialmente para trabajar, con una pequeña biblioteca de referencias de cómics y artbooks.

¿Qué consejos darías a tus alumnos para trabajar dibujando manga en España o fuera de ella?

Lo primero, no tener la obsesión de hacerse rico con ello, porque es muy complicado (sobre todo en España). Mucha gente tiene que compaginar otras labores artísticas con dibujar manga, así que lo más importante es tener la pasión por narrar historias en viñetas. Se puede conseguir con ilusión, muchas horas de trabajo, formación, perseverancia, mejorando las habilidades técnicas y presentando nuestro trabajo a los editores, los cuales siempre te darán un feedback positivo para crecer como artista.

Algo que tambiénresulta de mucha ayuda es poseer algo de versatilidad de estilos gráficos. Quizás a la hora de dibujar un manga no, pero si se quiere optar a otro tipo de trabajos de ilustración, concept art o publicidad, es bueno saber amoldarse a unas pautas gráficas que puedan indicarte.

También hay que adquirir una actitud profesional de compromiso con el trabajo. Ya no estamos en casa dibujando por hobby cuando nos apetece, sino que hay que cumplir unas fechas de entrega, tan importantes como los estándares de calidad.

¿Tienes alguna aspiración de trabajar en algún puesto o editorial en especial? ¿Cuál?

Me gustaría trabajar con personajes que significaron mucho en mis inicios comiqueros: Alita, personaje que me fascina desde siempre; Super López, mi primer cómic favorito; Dragon Ball, el cómic que me inició en el manga, e incluso me haría gracia dibujar algún cómic de G.I.Joe , mis muñecos amados de la infancia.

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Fanart de Fercasaus del personaje de DC Batgirl.

¿Has tenido apoyo familiar y social a la hora de dibujar?

Sí, siempre he sentido apoyo a nivel de amistades y familiar. Sin la ayuda y apoyo de mi madre y mi tía no podría haber logrado estar donde estoy. Mi madre me aconsejó acabar la formación de bachillerato/selectividad y después me apoyó en mi carrera como dibujante, tanto a nivel económico como anímico.

¿Hay algún autor nacional o extranjero con el que te gustaría trabajar?

Akira Toriyama, porque ya que empecé a leer manga gracias a su obra Dragon Ball, para mí sería genial trabajar con él.

A nivel nacional hay muchos autores a los que admiro y con los que me encantaría colaborar. No puedo enumerarlos porque no acabaría nunca.

¿Qué opinión tienes respecto al ritmo de trabajo semanal/mensual/etc. tan rápido de los capítulos de mangas en las revistas japonesas o el de América?

Me gusta el ritmo de periodicidad que llevan en Japón desde el punto de vista lector. A nivel de creador… considero que es insano llevar ese ritmo para alguien que no sea japonés, ya que en occidente tenemos otra filosofía de vida, y aunque sea solo por la diferencia cultural y laboral, nos resultaría muy complicado llegar a replicar semejantes entregas de páginas en tan poco tiempo. A pesar de que los autores tengan ayudantes, las jornadas de trabajo pueden ser casi interminables.

En EEUU los procesos creativos suelen estar divididos por especialidades y el trabajo se reparte un poco más. De todas formas, como autor, para mí, realizar unas 22 páginas completas a color al mes, resultaría muy complicado.

¿Qué consideras más importante y por qué de la viñeta, el dibujo o el color? ¿En qué es importante cada uno? ¿Entre el dibujo y el guion qué priorizas o en qué medida lo haces?

Sin duda el dibujo es muy importante. Prueba de ello son los mangas, en su mayoría en blanco y negro, y a pesar de su carencia de color funcionan muy bien para contar historias. Para suplir el colorido, toca ingeniárselas con otros recursos gráficos y esto supone un reto muy gratificante para el artista.

El colorido puede influir positiva o negativamente en la obra. Un buen dibujo con un mal color obtendrá seguramente un peor resultado que un dibujo regular con un colorido espléndido. El color es una herramienta poderosa para transmitir sentimientos y sensaciones en las viñetas.

En cuanto a guion y dibujo, considero que son importantes ambos: mitad y mitad,aunque yo le daría 60% de importancia al guion y 40% al dibujo. De cualquier modo, admito que, desde el punto de vista de dibujante, hay historias que las compro por el dibujo, sin tener en cuenta el guion, porque me gustan sus autores y me sirven como referente para mi trabajo.

Como lector suelo preferir el guion y el dibujo es un extra que enriquece la obra a nivel visual.

¿Qué es para ti más difícil a la hora de crear una historia?

Lo sencillo es empezar y acabar una historia. Lo más complicado es todo el espacio intermedio que hay que rellenar en una obra para convertirla en interesante. Mantener el pulso de interés en el lector a lo largo de varias páginas supone todo un reto nada fácil.

A nivel de dibujo, lo que me suele costar más son los escenarios (edificios y perspectivas) porque llevan más trabajo y resulta algo más mecánico. Aun así, no hay que descuidar este aspecto porque los escenarios son un personaje más en las viñetas y pueden resultar elementos clave en la obra.

¿Por qué publicar las viñetas en el orden occidental si se dibuja manga? O ¿por qué publicarlas en el orden japonés si se está dibujando en España (dificultades y facilidades)?

Entiendo que cuando se publica un manga japonés en occidente, se mantenga su sentido de lectura original, porque es como lo concibió su autor. No obstante, si esa obra no ha de publicarse en Japón y procede de occidente, no entiendo la necesidad de hacerlo en ese sentido de lectura, a no ser que quieras imitar el estilo de manga japonés al 100%.

Es curioso cómo en la Escuela Joso donde trabajo, a muchos alumnos les gusta dibujar sus páginas en sentido de lectura oriental, quizá porque han leído la mayoría de cómics en ese sentido y lo tienen asimilado como algo natural.

Pienso que cada uno debe dibujar en el sentido de lectura que le resulte más cómodo. Para mí es el occidental. Pero si tuviera que trabajar para una editorial japonesa, no tendría ningún problema en invertir el sentido de mis dibujos.

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Ilustración publicada en las redes sociales del artista.

 

MANGA EN ESPAÑA

¿Cuál es tu cómic español favorito? ¿Cuál es tu manga español favorito? ¿Cuál es vuestro cómic americano/europeo/occidental favorito?

Cómic español favorito es Blacksad.

Mi autor español con estética japonesa favorito es Kenny Ruiz. De su obra manga, mi preferida es Dos Espadas. Aunque el cómic que más me gusta es El cazador de rayos, que tiene un formato europeo.

Cómic americano preferido: Clase Letal.

Cómic europeo (BD) : Los buenos veranos.

¿Qué opinión tienes sobre el término “manga por artistas no japoneses” o el “manga gaijin”?

Para mí son todo cómics o tebeos, da igual si es japonés, americano o francés… Por otra parte, entiendo que en cada país tienen su nomenclatura.

Utilizar el término “manga español” puede ayudar para diferenciar de un manga creado en Japón. Se supone que utiliza unos recursos gráficos y narrativos similares a los nipones. Aunque por cultura y educación, quizá al autor de aquí no le salga de manera tan natural y fluida lo que crearía un autor japonés de forma espontánea, y aquí tengamos que recurrir un poco a la imitación y la copia de un estilo que no es propiamente nuestro.

¿Qué puede aportar un artista no japonés al manga en su trabajo? 

El manga es muy variado en cuanto a temáticas y estéticas que utiliza. Pero es cierto que muchas veces detrás de esos mangas se nota la influencia de la cultura y sociedad japonesa.

Quizá los autores “no japoneses” pueden aportar una visión diferente sobre las cosas, sobre cómo afrontan los personajes su día a día, su modo de relacionarse entre sí o los entornos culturales en que se pueden desarrollar las historias, que siempre, dependiendo de la procedencia del autor, pueden tener matices distintos de interpretación. Por lo tanto, considero que la variedad y los puntos de vista diferentes son positivos para enriquecer cualquier obra artística. E incluso el tratar temas típicos japoneses, desde la visión de un foráneo, puede llegar a resultar igualmente interesante.

¿Te consideras “mangaka español”? ¿Por qué? ¿Otra denominación que consideraras más correcta pero que a la vez concretara bastante tu estilo de dibujo influido por este fenómeno nipón?

No me considero mangaka como tal, ya que mi estilo de dibujo, con el paso de los años, se ha visto influenciado por diversas formas de entender la ilustración y el cómic, por autores de países muy diferentes con estilos muy variados. Y ahora mismo mi dibujo es una mezcla de diferentes influencias, ninguna de ellas pura.

Además, tampoco publico cómics con una narrativa visual, composición de página y estilo de dibujo 100% japonés, por lo que no puedo atribuirme el término “mangaka”.

¿Qué cambios crees que mejorarían el desarrollo del cómic/manga en España según vuestro criterio?

Principalmente el pago y la retribución económica justa a los autores. Si un creador que dedica la mayoría de su tiempo a realizar una obra, no puede vivir de ello, es muy difícil mantener una industria. En España es muy difícil vivir de los cómics y más aún si lo limitamos al manga. La mayoría de autores profesionales trabajan para el extranjero.

¿Qué papel crees que desempeñan los salones del cómic/manga y eventos por el estilo? 

Muy importantes porque dan a conocer al público los cómics y toda su industria, lo ponen a pie de calle y con un ambiente festivo y artístico. Es pues, a mi juicio, un buen método de acercamiento entre lectores y creadores o entre diferentes autores para compartir material e ideas que pueden enriquecerlos en sus respectivas carreras artísticas.

Además, es curioso cómo a nivel social se puede fomentar la cultura de un país, por ejemplo, en el caso de los salones del manga, se promueven diferentes aspectos de la cultura japonesa (gastronomía, historia, música, cine, folklore, etc.), no solamente los mangas.

¿Y las redes sociales para darse a conocer?

Hoy en día creo que son básicas e imprescindibles. Es mucho más fácil llegar a público y profesionales de cualquier parte del mundo a través de ellas, sin desplazarte de tu casa. Sirve como escaparate, es todo muy global, puedes trabajar para cualquier parte del mundo. Si tu trabajo es muy visible en Internet, pueden ponerse directamente en contacto contigo empresas o profesionales de cualquier lugar.

¿Cuál es el mejor método para darse a conocer?

Hoy en día las redes sociales. Ser muy activo en ellas y demostrar que eres muy constante en tu trabajo realizando material de calidad, es una buena carta de presentación al mundo.

También es cierto que, sin tener ningún tipo de exposición social en redes, podemos preparar un portafolio o un proyecto potente y presentarlo siendo “desconocidos” a una editorial. Ser popular en las redes sociales, aunque ayude mucho, no te garantiza el trabajo. Así que lo verdaderamente importante es hacer llegar tu trabajo a las empresas editoriales pertinentes. Esto se puede conseguir a través del correo electrónico o mostrando directamente tu portafolio en convenciones.

¿Qué relación tienes con los fans y por qué medio?

Generalmente a través de las redes sociales Instagram o Facebook, aunque también, cuando vas a un evento, la gente se relaciona contigo con preguntas o comentarios.

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Ilustración publicada en las redes sociales del artista.

 

Entrevista presencial realizada el día 19 de julio de 2018, durante la presentación del Salón del Cómic de Jaca 2018 en el IAACC Pablo Serrano de Zaragoza a Fernando Casaus.

 

PARA SABER MÁS…

– Instagram: https://www.instagram.com/fercasaus/

– Deviantart: https://www.deviantart.com/fercasaus

– Web personal: http://fercasaus.wixsite.com/portfolio

 

Imagen superior: Ilustración publicada en las redes sociales del artista.

 

Julia Rigual Mur

Redactora de la Revista Kalós